Cumpleaños, 1942

óleo sobre lienzo, 102 x 64,8

Dorothea Tanning.

Este cuadro es el más fámoso de la artista norteamericana, casada con Max Ernst. El título Cumpleaños apunta a que se trata "simplemente" de un curioso retrato de la artista. Sin embargo, resulta evidente que la extraordinaria disposición de las habitaciones se ha de prestar a otras interpretaciones. Esos espacios compartimentados y vacíos, abandonados, que conducen a la nada o la incertidumbre no pueden por menos que irritar en un país en el que la categoría social conserva una enorme importancia. La sociabilidad, ser conocido y apreciado, es el ideal al que todos aspiran, y el comportamiento antisocial de quien con nadie simpatiza o incluso desea en ocasiones estar a solas es por el contrario un grave defecto.

En los cuadros de Tanning, sin embargo, se presenta como normal, como rasgo de libertad, que una persona viva o se encuentre a gusto sin familia ni amigos. En esto radica una de las provocaciones del cuadro, ejecutado por lo demás de manera sublime, y por ello mismo queda de inmediato grabado en la memoria. Añádase a esto que se trata de una mujer independiente, que ocupa sin complejos su papel en el espacio artístico. Esta majestuosa actitud explica en buena parte el prolongado impacto de sus obras.

Fenomenología interiorista,

Dorothea Tanning.

"Dorothea Tanning pinta espacios habitados por niñas vestidas con harapos a las que su paso a través del espejo parece haber convertido en demonios, que transitan por pasillos de puertas restallantes y destrozan las paredes, o encuentran en los escalones enormes girasoles erguidos como las armaduras de gigantescos caballeros." Marcel Jean.

Entreacto de la apoteosis, 1938

óleo sobre lienza, 64 x 45 cm,

Leonor Fini

La heroína, una estilizada criatura andrógina ocupa el espacio central del cuadro. Desnuda se desprende de unas medias rojas y de sus guedejas. Gélida, impertérrita vuelve su mirada hacia el espectador, que disfruta fascinado con la contemplación de su cuerpo longilíneo y esbelto. Este diálogo voyeurístico se ve entorpecido por tres viejas repugnantes que asoman tras la impoluta figura y se retuercen en obscenos y lascivos gestos. Las tres brujas rodean a la joven; torpes, con los brazos alzados, mesan sus largos cabellos o tiran con violencia de su rostro, hasta que éste parece quedar suelto como una máscara.

Nos encontramos ante una escena nocturna de la historia de la fantasía: la apoteosis, la ascensión a los cielos, representa la obtención de la condición divina. Durante el barroco, la Ascensión de María gozó de gran popularidad. En el cuadro de Fini, con todo, el conocido contexto religioso se ve ampliado con un elemento pagano, las pérfidas arpías profieren sus malsanas profecías mientras, en el centro, la hermosa joven disfruta sin más de su existencia. Fini rastrea de tal manera las múltiples voces y apariciones fantásticas de estos mundos intermedios.

A lo largo de la história se han nombrado, en todas las artes, a las tres brujas

como ejemplos:

Práctica de tres brujas aleccionadas por una cuarta, es un grabado de Durero.

Las tres brujas de Chesseriau, para Macbeth imagen contextuada del texto literario de Shakespeare.


Las tres brujas de Macbeth, interpretadas en una ópera de Verdi.

Furia de Titanes: imagen del remake que se ha rodado en 2009, dirigido por Louis Leterrier, de la versión de furia de titanes, año 1981 dirigida por Desmond Davis. Imagen donde aparecen las tres brujas ciegas y Perseo.

También en el cómic podemos encontrarlas.

Cuando un grupo de bárbaros masacra y viola brutalmente a una de sus seguidoras, Mildred, Morganna, y Cynthia, las tres brujas oscuras de la antigua Grecia, deciden desatar un maleficio hasta que se cumpla venganza.

La espera, 1935

óleo sobre lienzo, 81,6 x 100,6 cm.

Richard Oelze.

La espera. Resulta difuso y velado: apenas algunas pinceladas de tonos pardos y grises. Un hecho misterioso e imposible de averiguar, se encuentra en la amplitud del cielo. El grupo de personas parecen contemplar absortos alguna cosa, de espaldas al espectador. Solo un hombre y una mujer apartan la mirada del suceso. La tensión en estas fuguras se transmite en la mera contemplación, resulta casi palpable y constituye la clave de esta escena de fuerte contenido fantástico. Da la sensación de que se avecina una catástrofe natural. Cualquier horror, por muy grandes que sean sus dimensiones, comienza con pequeñas señales apenas perceptibles para el ser humano. Así, es posible que el cuadro apunte a que en 1935 un pequeño grupo de personas intentó ya sofocar las primeras llamaradas del incendio que poco después se abatiría sobre el mundo. De ahí que haya que buscar la fantasía de este cuadro en su latente ambigüedad, que hace de él, en tanto que documento contemporáneo, una visión profética del futuro.

Aunque Oelze no hubiese pretendido formular un presagio artístico del destino de Alemania, desde un punto de vista puramente estético creó un cuadro increible en el que pueden leerse multitud de significados plasmados quizá inconscientemente sobre la tela.

La verdad II. 1903.

óleo sobre lienzo, 207 x 293 cm,

Ferdinand Hodler.

La verdad II, todo en ella es ademán, gestualidad, exhortación, expresión. Por una parte parece como si esta danza masculina intentara proteger la verdad encarnada en la figura de mujer; por otro lado, da la impresión de que los hombres apartan la mirada de la verdad desnuda y, deslumbrados por ésta, pretenden huir. La mujer se muestra impertérrita y su mirada encuentra y sostiene la del espectador.

El tinte fantástico de la obra hay que buscalo en el evidente dramatismo interno que se da entre las agradables y en cierto modo convencionales figuras representadas en el cuadro, y que supera la acostumbrada disposición de cuerpos hermosos desligados de individuos reales.

Para Hodler, la verdad debe ser más bien un carácter básico de la actividad y el comportamiento humano, parte integral de la vida. Debe ser tan ineludible e inapelable como la belleza intrínseca y radiante del cuerpo femenino. Armada con esta convicción, la figura desnuda de Hodler es la única de todo el grupo que osa sostener la mirada del espectador. El atractivo fantástico de este imponente cuadro reside predisamente en esta proclama sutil y subliminal.

La isla de los muertos,

témpera barnizada sobre lienzo, 1880, Arnold Böcklin.

No sólo está considerada como una de las obras de máximo exponente del arte fantástico, sino también el canto del cisne de la pintura decimonónica de tintes románticos, y permite entrever el posterior desarrollo del floreciente arte fantástico en el siglo XX.

El espectador casi puede sentir físicamente el solemne silencio del inminente suceso nocturno.
El cuadro "para soñar" se corresponde con un elemento básico de la fantasía, la cual, en torno a 1900, intenta con diversos motivos ganar acceso a los más profundos secretos de la psique, en especial a los sueños y sus interpretaciones. Según Freud, el sueño se transforma en una metáfora para todas las áreas del inconsciente, conjunto de cámaras en el interior del individuo a las que éste apenas tiene acceso. La isla de los muertos representa este concepto a la perfección: es un lugar irreal, misterioso, nocturno e inhóspito, definitivo, un lugar que a un tiempo alberga los anhelos y pasiones eternas del hombre y constituye la última estación de su tránsito vital.

Obras inspiras en La isla de los muertos de Böcklin.

Se dice que el aspecto de la isla Skull o de la Calavera, donde vive King Kong, se inspiró en la obra de Böcklin.

En la encantadora película Furia de Titanes (1981), Perseo cruza el río Styx (laguna Estigia), acompañado del barquero Caronte. Los efectos especiales son de Ray Harryhausen.

En los números 11 y 12 de la colección de cómic de Martin Mystere que la editorial Aleta está publicando ahora en España, este célebre investigador de fenómenos paranormales es “abducido” al interior del cuadro de Bocklin. En las viñetas podemos verlo recorriendo la isla, circunstancia que el dibujante aprovecha para ofrecernos algunas perspectivas que ni el mismo Bocklin habría sospechado:

Otro cómic, en este caso francés, es L’Ile des Morts, de Sorel y Mosdi.

Los pecados,

óleo sobre lienzo, 1893, Franz Von Stuck.

Este cuadro constituye un desafío incomparable para su época. La mujer de torso desnudo asoma desafiante de la penumbra con una enorme serpiente enroscada en torno a su pálida carne. Buena parte del placer reside en la percepción visual de la obra, en los distintos estímulos, entre los que no faltan las implicaciones eróticas. Se equiparan con el sadismo, el masoquismo y el fetichismo. El contenido de Los pecados, está emparentado con La Venus de las pieles de Leopold Von Sacher-Masoch. Es la convincente composición de un secreto fascinante y una incursión fantástica en los límites de cuanto puede decirse y mostrarse.

El artista se pone al servicio del voyeurismo abierto o encubierto de su clientela, que en última instancia es el de todos los aficionados al arte.

El voyeurismo, identificado por Freud como parte del entramado psíquico del individuo, no se circunscribe sólo a la contemplación de cosas e imágenes prohibidas, sino que representa por regla general una de las necesidades básicas del ser humano: la curiosidad, la mirada indagadora, la voluntad de comprender.

El nundo de Christina,

témpera sobre madera, 1948, Andrew Wyeth.

El idílico paisaje de esta obra es tan sólo hermosa apariencia, un velo de ilusiones tras el que se oculta la realidad. La joven tendida de espaldas al espectador sobre un mar de hierba da la impresión de estar relajada, pero sólo a primera vista. Está lejos del sendero, que tras trepar un montículo, conduce hacia una casa. No es necesario saber que la muchacha es Christina Olson, vecina inválida y amiga del matrimonio Wyeth, para comprender que la distancia que la separa de su hogar resulta insalvable.

La belleza supone para él un escenario tras el que se esconde la realidad.

"En la representación de la casa, sus ventanas se

convierten casi en ojos o partes del alma. Para

mí, cada ventana representa una parte de la

vida de Christina." Andrew Wyeth.

Mi padre en invierno,

oleo sobre plancha, 1983, Arik Brauer.

Los artistas descubrieron y desarrollaron un lenguaje propio, inconfundible y rompedor. Sus fantasías, rescatadas de los abismos soterrados de la humanidad, en los que conviven sin tapujos mitos y arquetipos, adoptan formas múltiples: la fantasía psicologica, la fantasía mítico-religiosa, la fabulación, una fidelidad microscópica ...

"La fantasía desarma toda la creación según leyes que proceden

del interior más profundo del alma, reúne y articula las piezas,

y crea con ellas un mundo nuevo." Charles Baudelaire.

La ciudad abandonada,

pastel y lápiz sobre papel, 1921, Fernad Khnopff.

Es uno de los dibujos más fascinantes del are fantástico: ambiguo, a un tiempo agradable y amenazante, inquietante, desierto. Es la reproducción de una esquina de la plaza de Memling de Brujas. La fantasía de Khnopff se hace evidente en la incomodidad y la inconcreción de lo representado. Todo en ella vibra con incertidumbre, a la espera de un acontecimiento inminente. Khnopff presenta lo aterrador -que como es sabido habita en el interior de lo hermoso, y de lo hermoso extrae su incomparable impulso- de manera agradable, casi idílica.

Transito en espiral, 1962.

Remedios Varó

"El objetivo del arte no es la representación de la realidad, sino la creación de un mundo propio." Fernando Botero.